バイク写真、ツーリング写真における自撮りについて




EOS6D Mark2 + SIGMA150-600mmF5-6.3C

バイク写真、ツーリング写真、バイクのある風景写真・・・呼び方は色々ですが私たちが大好きなバイクの写真を撮るにおいて、ライダーの姿は入れたほうが良いのでしょうか?というシンプルな疑問がありますね。

先に結論を言ってしまうと絶対にライダーを入れた方が良いと思います。

バイクという乗り物はタイヤが二つしかなくその姿は不安定なものです。普段はあまり意識しないことですが【人がいないと成立しない様子】を纏っているのです。馬であれば馬だけの写真を自然風景の中で撮れば野生馬に見えます。しかし鞍をつけた馬が騎手なしに写真を撮れば何か物足りない写真になるでしょう。

カタログのラインナップに使われるような写真なら別ですが、風景の中にライダーなしでバイクだけで撮れば、同様に何か物足りない写真になるのです。これは車の写真を撮るのとは大きな違いだと感じます。

ではどのようにライダーの姿を入れれば良いツーリング写真が撮れるのか?いくつか例をご紹介して詳細を解説したいと思います。

1.自身が演者となり映画のワンシーンのように魅せる

EOS6D Mark2

まず上の写真はライダーが演者として登場することで一枚の作品の中にStory性を加える魅せ方です。映画のワンシーンのようにツーリングでの感動をポージングや表情などで表現します。

これには撮影ノウハウの他に自身が演技をする!というセンスが要求されます。これは多くの人が持ち合わせていない要素ですし「まさかいいツーリング写真を撮るのに俳優のような演技が要求されるなんて!」とお思いになると思います。しかしそれが出来れば上の作品の通りです。

このときに嬉しいのか、黄昏ているのか、何かに感動しているのか、到着したぞという達成感に満ちているのか…強く感情的要素をイメージして躊躇わずに演じ切るのがポイントです。

演劇などをみれば分かりますが演出、演技というのは少々大げさなくらいが実は丁度よかったりするものです。

2.バイクを主役にライダーは補助的に

これは自分の愛車、バイクを主役にして撮った作例です。

このようにバイクが主役となる写真であってもライダーの存在があればバイクが生き生きとして見えるから、バイクって不思議な乗り物だなとつくづく感じます。

ポイントはバイクとライダーの存在感の比重を意識することです。この場合はバイクは主役なので中望遠レンズなどで絶対的な存在感を持たせ、ライダーは枠で切り落としました。人物は顔を切ることで写真を見る人に想像の領域を与えます。

この他にもライダーを遠くに置いてピントをボカすなどで存在感を弱める方法は色々ありますが、とにかくバイクが主役でライダーは補助的に采配するのがポイントです。

なるべくシンプルで雰囲気の良い背景を探すとカッコいい写真が撮れます。




3.その他の被写体や風景を主役にする

これは風景、被写体を主役にしバイクもライダーも脇役にしたシーンの演出です。

なかなかSNSなどでは見かけない手法です。そもそも多くの人が撮っているバイク写真はバイクを主軸としたものが多く、この作例のように意図的にバイクをボカした写真はあまり見かけません。

それ故にこのような撮り方をするだけで他と違った個性的な写真が撮れると言えます。

バイク写真に限らず写真の世界では一つの主題を明確に表現する、というのがあります。ボケ具合やフレーミングなどでハッキリと一つの主題を表現できれば、それだけで見る側に伝わりやすい写真になるのです。上の作品は10人の人に見せて10人とも富士山が主題の写真と答えてくれるはずです。

ライダーはみな自分のバイクを愛しているものです。私も自分のR1200GS、アドベンチャーが大好きで本当にカッコいいなと思っております。だから写真を撮るときにバイクにピントを合わせない・・・なんてことは本当はしたくないのですが冷静に考えてみてください・・・それは別で撮れば良いだけの話なのです。

4.小物を利用してライダーの気配を加える

RICHO GR F2.8 1/800 ISO100

もし三脚が無いなど何らかの理由で自撮りができない場合は無理に姿を入れる必要はありません。この作例のようにヘルメット、グローブ、ジャケットなどを主役に構図を作れば、ライダーの気配を感じる一枚となります。

こちらもプロのカメラマンはよくやりますが一般的な写真では見かけません。新しいヘルメットを買って嬉しい時などに撮ってみても良いと思います。




本当はお友達と一緒に走っていれば撮ってもらうのが一番ですね。しかし私のように多くの場合でソロツーリングで走っている場合、ライダーの姿を入れたツーリング写真は自身で撮影するしかありません。

一般的に使われている自撮り、あるいはセルフポートレートという言葉とは少し意味合いの違う趣旨かもしれませんが、とにかく人手が足りないのでセルフで撮っているという意味で、とりあえずここでは自撮りという呼び方をしています。

セルフタイマーでダッシュしているのか?という質問も聞こえてきそうですが、セルフタイマーでダッシュではありません。

撮影方法の詳細は私のYoutubeチャンネル【風の時代のバイクライフ】で動画で解説していますので、撮影方法にご興味のある方はぜひ見てみてください。

Youtubeチャンネル 【風の時代のバイクライフ】

チャンネルは こちら 

 

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記憶の風景を写真にすること




写真とは目の前に確かに存在している現実の様子を元にして作るものです。当たり前ですけどね。今回は改めてこの部分を考えてみましょう。

現実の様子とは時間が絶え間なく流れる三次元の空間・・・つまり時空ですよね。一方、写真とは時間が停止した二次元の画です。しかしその元となるのは光学的に切り取ってフィルムやデジタルデータとして記録した現実であるのです。ここがイラストや空想の絵画と大きく異なる部分です。

写真とは現実の記録であるとともにその様子を画(絵)にする瞬間アートなのです。

「それは当たり前である、写真とはそういうものだ」と多くの人が知っているからこそ、写真というARTには現実を記録するドキュメンタリー的要素が期待されるものです。その証拠にあまりアーティーに表現し過ぎると「こんなものは写真ではない」と物言いする人が現れます。

では写真を愛する一個人として「いい写真」を生み出すにあたり、どこまで現実に忠実であるべきか?という問題が出てきます。いや、正確にはどこまで人間の目でみた現実に寄せるのか?といった方が適切です。

なにしろ人間の目は現実の様子の何もかもを見ているようで見えていませんからね。眼球からの情報は信号として脳に送られ、それによって感情や記憶などが反応をする訳です。だから現実の様子そのものがどうこうではなく人間が目で見た様子を再現すべきか?と考えるのがベターだと思います。




不思議なもので人間の記憶に残されている過去の風景とはボンヤリと曖昧なものです。映画やドラマの回想シーン、つまり過去の記憶を再現するシーンではモノクロやセピア調が使われたり、フォギーフィルターがかかることからも分かりますね。

あの時、こうだった…という人の記憶回路と何らかの関係をもたせる写真や、見たこともない未知の風景を想像させる作品。それらは現実の様子が詳らかではない曖昧な風景【記憶風景】の写真でも良いのだと思います。

であれば、あまり現実の様子をこと細かに高画質に再現しても感情には響かないのでは?と最近になって思うようになりました。ART写真の多くでもボンヤリとした表現の作品は多いと思います。「いいや、質感の伝わる高画質な写真は感動ものだ!」という意見も理解できますが、それは写真機のテクノロジーの進化に感動しているのではないでしょうか。

一方で例えば私の場合は「ツーリングのワンシーンをART写真として切り取る」というテーマで活動していますが、その反面「内燃機時代のオートバイで旅をする文化を記録しておく」というドキュメンタリー要素もあるのです。相反する両者でありどこに線引きするかは大変悩ましいところです。

皆さまもご自身の写真活動においてアーティーであるか、ドキュメンタリーであるかの表現の線引きを再考されてみては如何でしょうか。

何か新たな気付きがあるかもしれませんよ。




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誰も教えてくれない上達のプロセス(風の時代仕様)




EOS6 mark2

写真をはじめて何年も経つのになかなか上達できない方はおられませんか?

ネットで情報を集め、Howto本で知識をつけても一年前に撮った写真と変わり映えしない…自身の作品に進化が見えない…

これでは遣り甲斐を感じないですよね。

またスキルを上げて一見して立派な写真が撮れるようになっても、同じような写真を他の人も撮っていて、自分が撮ったものと見分けがつかないくらい似ている…こんなことも現代の写真文化では珍しいことではありません。

何しろクオリティの高い写真やお上手な写真は今や世の中にゴマンと溢れているのですから。

今回はあまり見かけないアプローチで、本来皆さまが目指したい【写真が上達するためのプロセス】を私なりの考えで書いてみたいと思います。

写真に限ったことではないかもしれませんが、上達するにはその「きっかけ」となるものを見つけて幾つも繰り返していくことです。

右も左も分からないがやってみる → 失敗する

→ 帰って失敗の写真をよく検証する

→ 何が足りないのか見えてくる

→気付きと発見がある






これを何度も繰り返す

ある時、思いのほかうまくいく

→ 帰って何が良かったのか検証する

→ 発見がある、喜びを味わう

→ 前回の成功例を繰り返しやってみる

→コツのようなものをつかむ

RICOH GR APS-C

別のやり方を試してみる(ワンパターンの回避)

→ また失敗する

→ 再び検証する

→ また発見がある

→ 魅せ方の引き出しが一つ増える

  → 経験値が上がるので迷いが減る

→ 何か(カメラの性能や他人のノウハウなど)に頼らなくなる




なるほど、何となく分かったぞ!という「きっかけ」をこのようなプロセスで何度も何度も繰り返していくのです。

このモチベーションの源となるのは良いのが撮れた時の嬉しさです。

だから楽しむことを忘れてしまうと続きません。楽しむためのポイントは誰かに作品を見せて良い感想をもらうのはもちろん良いですが、何より自分で「いい写真が撮れたぞ」と自画自賛することです。

「私は素晴らしい、才能がある、サイコーだ」と。

ここで重要なのは世界中で他に二人といない、唯一無二の天才とは自分であると言い聞かせることです。これは古い時代、地の時代ではタブーとされていたことです。自分で自分のことを天才だと思う事はバカみたいである…はもう古いのです。自分は天才、自分は素敵だ、自分はサイコーである、の方が新しい時代の生き方だと思えませんか?

EOS6D Mark2

実践、検証、発見を繰り返すことで気が付くと幾つもの魅せ方を持った一人の表現者になっていることに気が付きます。本当に天才です。そんな自分の存在がなんだか頼もしくて誇りも生まれてくるでしょう。

誇りが生まれれば「他の人がどう撮っているのか?」など全く自分には関係ないと思えてきます。自分は天才だと思っていれば当然ですよね。

一つだけ大切なことは検証や発見を繰り返すプロセスとは自分の内面と向き合うだけの孤独の世界だ!ということです。誰かと一緒にワイワイやるのが好きな人もいますが私のお勧めは一人でやることです。

誰かと一緒にやった方が楽しいし、人の評価は嬉しい場面も多いですが、あくまで評価は結果として頂くもので、最初から他人の評価を求めるように創作すると自己顕示欲が作品に出てしまうのです。

SNSで見かける立派な写真の多くはそういった承認欲求を満たすための「すごいでしょう?私を認めてください」と言って目立たせるようなものが多いです。これは決して悪いという訳ではありませんが大衆的な写真文化の【流行】を象徴しています。あなたは風の時代の素敵な一個人として流行を追いたいですか?私はどちらかと言うと流行をリードしたいタイプです。

一朝一夕に成就するものではありませんが、写真という【不思議な瞬間アート】を愛し、自身の世界を一日も早く確立して、ある種の覚悟さえしてしまえば、誰だって素敵な写真家です。

それを受け入れてくれる時代「風の時代」はすでに到来しているのですからね。

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時代の変わり目とバイク文化の変化




200年に一度の時代の大変化。

グレートコンジャンクションという宇宙の話になりますが、森羅万象や宗教じみたことに懐疑的な人であってもコロナ渦を受けて時代の変わり目にあることは感じているはずです。

地の時代が終わり風の時代になった。

ある人の話ではコロナで死ななかった人は全て風の時代の人なのだそうです。風の時代…人柄や精神的なものに価値が生まれる時代と言われます。

所有からシェアへ、お金から情報へ、物質から体験へ、貯蓄から投資へ、性別や人種はボーダーレスへ、成功や昇進は心の喜びへ…こういった具合に地の時代は終わり風の時代に変化するのだそうです。




立派な学校へ行き立派な会社へ就職し、会社の為に身を粉にして働き昇進を目指す。これも素晴らしいですが地の時代の象徴です。出る杭は打たれるとか「普通が一番」「他の皆と同じに」といった考え方も地の時代です。風の時代は個人一人が素敵に輝き、そこに価値を出す時代。

時代の変わり目を受けて【幸福】とは何だろう?と見直す時期なのかもしれません。

私がバイクの免許を取得した30年ほど前は、みなで峠やサーキットを走り、バイクにお金をかけてカスタムしたり、立派な輸入車や大型バイクを友達同士で自慢し合ったりするのがバイク文化の中心でした。

もちろん、これらのバイクの楽しみ方は今後も無くなる訳ではありませんが、風の時代では中心的ではなく副次的なものに変化していくと予想します。時代はモノからコトへ。つまりバイクからライダーに文化の中心が変化するのだと思います。

ツーリングは以前より人気のバイクの楽しみ方ですが、これからはライダー層の世代交代を受けて、より新しいツーリング文化が台頭し「バイクでどう楽しむか」という精神的なものが中心になっていく・・・

そんな素敵な時代がすぐそこなのですね。

EOS6D Mark2 + EF70-200mmF2.8L

写真文化もバイクと同じだと思います。最新のカメラ、高級なレンズ、こういったカメラという本来はただの道具であるはずの物に、過度に関心が高まっていましたが、今では多くの人が良い写真を撮ることとカメラの性能は関係ないと知っています。

話題の撮影スポットを調べて出向いたり、他の人がどう撮っているのか?気になったり、撮り方のお手本を探して正解探しをしている人達も少しずつ減ってくると思います。情報が溢れかえっていた平成という時代のせいで、まずは情報収集してしまう癖を抜き、自身で考えることを少しづつ取り戻していきましょう。

いい写真を撮るにはどうしたら良いか?いい写真であるかどうかは自分で決めるものです。ですからその答えはいつでも自分の中にあります。

好みの異性のタイプをネットで調べたり他人に聞いたりしないですよね?

自分の好きなようにするため、どうするべきか考えるのです。自分が見えてくれば「いい写真」とは何かも少しづつ見えてきますよ。




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一般的カメラユーザーと写真家の違い




一般的なカメラユーザーと私たち写真家が撮る写真の違いとは何でしょうか?どちらも使用しているカメラやレンズに大きな違いはありません。

一般的なカメラユーザーは見た通りを記録することが正しいと思い込み「こう撮りたい」というイメージなく撮っているように思えます。

目の前の様子が写真になるとどうなるのか…これが分からないので、とりあえず撮ってみる。

撮った画像をプレビューしピントも合っているし被写体も枠に収まっているようだ…と納得してそれで終わりにしてしまう。これはビギナーでしたら仕方のないことですが、ここまでの行程はあくまで【試し撮り】です。

なかなか上達できない方、試し撮りで終わらせていませんか?




あ、なるほどこんな感じに写るのか。と試し撮りの画像を確認したら次のフェーズに切り替えます。

「じゃ、自分ならどう撮りたい?どう魅せる?」と。

私たち写真家は風景や被写体の特徴を受けて、感動し、そこから魅力を探り、魅せ方を模索し、頭の中でこう撮るぞというイメージの写真を想像します。それは言ってみれば作品の完成予想図です。

イメージの写真を想像することはスナップ写真や時間的猶予のない例外的なジャンルを除いて、いい写真を撮りたい場合の鉄則です。

イメージなくして撮った写真はカメラに撮ってもらった写真、イメージを作ってから撮った写真は撮影者の意図が存在するのですから撮影者が撮った写真、とも言えます。貴方でしたらどちらをご希望ですか???

私たち写真家はイメージを作るための試し撮りはほとんどしませんが、ビギナーの方は試し撮りが終わったらイメージの写真を想像してみましょう。

何をすべきかが見えてきます。




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欲望のコントロール 承認欲と創作欲の違い

今回は写真ビギナーの方にはピンとこない話かもしれませんが、いい写真を撮りたいと願う人の【欲望】のお話について書いてみたいと思います。

いい写真を撮りたい…カメラを手にする全ての人の共通の願いですが【いい写真】を定義するものは何一つなく、強いてあげるのなら「自分がいい写真だと思った写真」がいい写真ではないでしょうか。

いつかは傑作と呼べるいい写真を撮りたい!またはおっこれはぜひ撮りたい!と思う風景や被写体に出会った時、これを私は【写欲】とよんでいます。

写真を撮りたいと願う写欲。これは写真活動の原動力であり、これが情熱的であるほど労力を惜しまず妥協をせず撮影に挑むことができるものです。写欲は写真家のエネルギー源なのですね。

しかしエネルギー源になるものも良質なものとそうではないものがあります。簡単に二種類の欲望に分けて考えてみましょう。




1.承認欲

一つ目は承認欲です。驚きの写真、上手な写真、そういった立派な写真を撮り発表することで他人から凄い人!と尊敬の目で見られたい、立派であると認めてもらいたいという欲求です。冒頭でいい写真とは撮った自分が良いと思った写真である…と書きましたが承認欲に支配されてしまうと他人から見ていい写真が「いい写真」と思ってしまうためウケの良い写真を求めてしまい個性を失ってしまうものです。

現代で言う「インスタ映え」は承認欲に支配された境地です。写真コンテストで受賞したいと願い撮った写真も同じようなものです。

承認欲は聞いた話によると人間誰しもが持っている根深い欲望の一つだそうです。気になる異性にアプローチする時、その人の仕事ぶりや日頃努力していることを褒めてあげると承認欲が満たされて自分に対して好意的になってくれるそうです。

人は誰しも他人や社会に認めてもらいたいと願っているのです。だから写真を撮る時も、ついその願望が出てしまうのですね。

EOS6D mark2




2.創作欲

二つ目は創作欲。作品を自らの手で生み出す喜びです。幼いころ粘土を与えられて何でも好きなものを作って良いですよ、と言われ楽しみながら色々な作品を作った思い出が誰にでもあると思います。創作とは本来、何を作っても良いですよ…という自由が与えられている部分に最大の楽しみがあるものです。その楽しさを知っている人であれば「また作品を生み出したい」という欲望が出てくるものです。

実は創作欲は写真ビギナーにはあまり出るものではありません。というのも一枚でも良いから自分なりの傑作と呼べる作品を撮らないと、生み出した時の喜びを知ることがないからです。だからまぐれでも良いので自分なりに「これは傑作だ」と思える一枚を早い段階で手に入れたいものなのです。

写真家(プロ、アマ、有名、無名問わず)は一人の作家として生み出す喜びを知り、創作欲に従順に写真活動するべきと私は考えています。

ここでご紹介した写欲の種類、【承認欲】と【創作欲】は誰が聞いても良いのは後者の創作欲だと感じられたと思います。しかし承認欲はとにかくパワフルな欲望なので、この力を利用するのはある意味で有効です。というのも写真ビギナーの方は最初のうちは良い写真が撮れず「遣り甲斐」を見失いがちです。もう写真なんてやめよう…なんて事になるくらいなら強力な承認欲をエネルギー源としても悪くはないと思います。

しかし何年もやっている良いベテランがいつまでも映え写真を狙って派手な写真を撮っているのは関心できません。それに万人ウケを狙うカメラユーザーは世にゴマンと存在するので、その人たちと似たような写真を競うように撮っていては、いつか虚しさを感じる日がくるものです。

以前から同じことを何度も書いていますが「私の場合はこうです」という個人的な発表として個性を大事にしてみましょう。それを発表して反応が薄かったり賛否あるかもしれません。しかしそもそもARTとはそういった世界です。反応が薄いと寂しいですが少しの勇気で「万人ウケ」を卒業するのは簡単です。

ぜひ「創作欲」を意識して一人の個性的な作家になってみましょう。




ズームレンズの賢い使いこなし術




EOS6D Mark2 + EF70-200mmF2.8L

数日前の投稿で構図を作るにはまず足で動くこと…という内容を書きました。その投稿は こちら 

今回はそれと少し似ている内容になりますがズームレンズの使いこなし方について書いてみたいと思います。

カメラ関係の情報を見ているとズームレンズが良いか、単焦点レンズが良いか、という議論を度々見かけるものです。念のため書いておきますがズームレンズは画角をワイドにしたり望遠にしたり調整機能を持ったレンズのこと。対して単焦点レンズとは一つの画角に固定されているレンズのことです。

どちらも一長一短であり使い方、使う人によって様々な選択肢が用意されているに過ぎないのです。あなたにとってどれがベストな選択であるかはあなた自身にしか決められないものです・・・。とはいえ我々バイク乗りは持っていける撮影機材の質量に限りがありますので、圧倒的にズームレンズにメリットがあるのは疑う余地がありません。

例えば風景主体のツーリングシーン、愛車主役のバイク写真、遠景にある夕陽や山などを引き寄せたい…こういった要求があるときに広角、標準、望遠と複数の画角が欲しいものです。これが単焦点でいくとなると3本のレンズを持っていくことになりますが、ズームレンズであれば24-105mmあたりを1本用意してあげればOKです。ツーリングに行くのに一眼レフボディに3本のレンズなんて無理がありますからね…。

標準単焦点レンズ 左:SIGMA50mmF1.4DG ART 右:キャノンEF50mmF1.8STM

一般的によく見かける情報として単焦点レンズの方が描写が良いと言われています。そしてズームレンズに比べると内部の構造がシンプルなので軽量であること、ズーム可動部がないので気密性に優れていることなどがメリットとされています。

しかし高級なレンズになるほど軽量さについてはそうでもなく、上の写真(左)にあるような描写力命のモデルになると単焦点レンズでもそこそこの質量になってしまいます。

一方で最近のズームレンズは進化したので単焦点にこだわる理由はない…という意見も見かけます。出来上がった写真だけみて単焦点で撮ったかズームレンズで撮ったかを見分けるのは困難なほどズームレンズでも美しい描写のレンズは存在します。

私の個人的な見解としてはそれでも単焦点でしか撮れないような写真というのは確かにあると感じます。なので私の場合は好きな画角だけ単焦点レンズでそろえて、他の画角は荷物を減らすためにズームレンズで揃えています。




単焦点レンズ EF135mmF2L

さて、今回は単焦点レンズ、ズームレンズのお話ではありません。多くのカメラ、レンズはズームレンズが当たり前のように標準となっています。ここでは写真ビギナーの方にとってズームレンズをどう使うかの考え方について簡単に書いてみます。

ズームレンズの賢い使いこなし術。それはずばり複数の画角が使える事!この一言に尽きるのですが詳しく言うと特定のポイントを置いて幾つかの選択肢を持って使うことです

例えば上のズームレンズはキャノンのEF24-105mmですが、24、35、50、70、85、105mm…つまり数字が書いてある6ポイントに固定して使いましょう!という意味です。6本の単焦点レンズを持っていると思ってください。

写真ビギナーは撮る前のイメージ(空想の写真)を頭に描くのが苦手なものです。むしろイメージを描こうともせず「とりあえずどう写るのか撮ってみるか」という人が大半だと思います。そのようにイメージ無くして試し撮り感覚で撮ると、被写体の大きさや背景の範囲だけを意識してファインダーを覗きながらズームリングをぐるぐる回すものです。

これ良くないのでやめましょう。ズームぐるぐるは今日で卒業です。

こう撮りたい!というイメージを頑張って脳内で描き、それに最も近い画角は35mmなのか50mmなのかを考えてみましょう。違っていれば70や85を試せば良いのです。とにかく「ぐるぐる」やらない。画角縛りです!

冒頭で「足で構図を作る」に話が似ていると書きましたが、画角を固定した単焦点レンズや今回ご紹介する画角しばりは足で動いて構図を作れるようになる不思議な効果があるのです。被写体にしっかり寄るには一歩前に出るという基本を体で習得できます。

たまに単焦点レンズを使うようになったら構図が上達した、という話を聞きますがそれは寄るという動きを習得した証拠です。




尖った岩のてっぺんに登って撮った

ではズームレンズの微調整はどのような時に使うのか?例えば背後に壁があってそれ以上下がれない、それ以上寄ったら海に落ちる、尖った岩のてっぺんに登って撮る、といった具合に動くスペースを奪われてしまった時です。そういったスペースを奪われてしまった時に画面の四隅に注視しながらズームリングを微調整するのです。

ズームレンズの賢い使いこなし術。それは特定のポイントで画角を縛ること。上達にもつながるのでぜひ実践してみてくださいね。

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先入観を捨てて自由に写真を楽しもう




EOS6D Mark2

私たちは写真を楽しむ上で誰かの決めたルールのようなものに無意識に縛られてはいないでしょうか?

過去の誰かが撮った写真が頭の中に焼き付いていて、無意識に似たような写真を撮ろうとしていないでしょうか?

いまいちど改めて考えてみましょう。

お花はこう撮るべき、風景はこう撮るべき・・・といった雰囲気をまとった写真をみて、それをお手本のようにしていませんか。

個人的に写真を楽しむ上で撮影マナーのようなものはあるかもしれませんが、写真の内容自体にルールのようなものは存在しません。

誰かが決めた…いいえ誰もそのようなことは一言も言ってはいない写真のルールのようなもの。そのようなものに無意識に縛られないよう意識してみましょう。

上の作品はコスモスのお花を撮ったものですが、この場合はLightroomのHSL機能で緑の彩度を抜きました。これはいけないことだと思いますか?誰かにどのようなことを言われようと「私の場合はこうなんです」という確固たる信念のもと表現したのであれば、堂々とそれは貫くべきです。

私の場合はこう、という個人の表現。表現したかったイメージの世界。あるいは事実やリアルよりも抽象的なアートのように撮りたいというスタイルの問題。人ぞれぞれ自由なのです。

自由だから写真って遣り甲斐があるのだと思います。




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ほんのひと工夫で構図が激変 構図に奥行を作る方法




今回はツーリング写真の構図について簡単な内容をひとつ書いてみたいと思います。

突然ですが上の写真のような構図をどう思いますか?朝霧高原のふもとっぱらキャンプ場で撮った一枚です。キャンプ場に着いたよ!ということをSNSで上げるために撮りました。普通にスマホで撮った説明写真なので大きな問題はありませんが、この構図はあまりに平凡だと思いませんか?

富士山を日の丸構図で配置したのは基本に忠実なので安定感があって良しですが、いくつかある被写体の位置関係に注目してみましょう。この場合、R1200GS-ADVENTUREとテントという2つの被写体がありますが、この2つの位置関係は横一列に並んでいます。

この写真が平凡に見えてしまう原因はこの奥行き感の出ない被写体同士の位置関係にあるのです。

シーンが変わって本栖湖の浩庵キャンプ場ですが、このように手前にテント、その奥にR1200GS-ADVENTURE、そして遠景に富士山とくれば、被写体同士の位置関係で3レイヤーの構図を構成できて、これだけで奥行きのある構図が作れるのです。

そこで写真を撮りたいと思ったからには景色の良い場所なのですから遠景は問題なく存在していると思います。そしてそこでバイクや人物など被写体を置いて撮る時、被写体と背景で2レイヤー、ここまでは多くの人が普通にやることです。

大事なポイントはこの先で被写体とカメラの間に前景として一方の被写体を配置してあげるのです。3レイヤー以上の構図が作れれば2次元である写真に奥行きが生まれて平凡さが一気に消えるのですね。




EOS6D Mark2 + EF135mmF2

何か特別な意図があって被写体同士を横に並べたのであれば良いですが、奥行を意識できずに被写体の位置関係に意識が向かなかった…という事であれば、ぜひ次回の撮影から被写体の位置関係で奥行を作ることに挑戦してみてください。

それはバイクやテントの置き場所、撮影するポジションなどに一手間かけてあげれば簡単に出来ることです。上の作品のように幾つものレイヤーを構成できれば、たとえ望遠レンズで圧縮されてしまった写真でも奥行き感を出すことができます。

知識は撮影現場で意識して実践し、成功でも失敗でも良いので経験として積み重ね、それを繰り返して検証し【習得】へとつなげていきましょう。知っているだけでは意味がありませんからね。




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流行写真に流されないスルー力




その時代時代にあった流行の写真というのがあります。例えばフィルム時代であればポジフィルムで極彩色で魅せる写真やセピアカラーの写真、スナップであればわざと下手っぽく魅せるヘタウマ写真、ひと昔前のデジタルカメラ黎明期であればダイナミックレンジを調整したHDR写真などがそうです。

今ではInstagramなどの写真系SNSで話題になるような「映える」といった目立つ写真が流行なのでしょうか。これら流行の写真とは流行である時点で全て一般カメラユーザー間の庶民的な写真文化です。

もちろん庶民的な写真文化に染まることは決して悪いことではありません。それを否定するつもりは全くありませんが、当ブログでは以前より庶民的な写真文化の範疇では「飽き」がきてしまいます…ということを何度も書いてきました。

アート写真などと言う立派なものをイキナリ目指さなくても良いのですが、忘れたくないのは「写真はせっかくやるのなら個人の表現を楽しもう!」ということです。




個人の表現、私の場合はこうですという個性的な作品を生み出してこそ写真甲斐があるものです。しかし、どうしても情報が溢れかえっている現代社会では個人の表現を妨げてしまう雑音が多いものです。特にSNSをやっている人は写真関連のコミュニティに参加するほど、タイムラインに日々たくさんの写真を目にするようになります。

それらSNSなどで流行となる写真の多くは【目立つ写真】【立派な写真】が多く大変インパクトがあります。見方によっては多くのカメラユーザーはいま、目立つ写真や立派な写真で競い合っているかのようです。

こういった風潮を見てぜひ気を付けたいポイントは「自分もそういった写真を撮らねば」と思わないことです。もちろん撮っても良いのですが、それは前述した通り流行写真の仲間入りとなってしまうので飽きやマンネリが待っているのです。SNSなどで目立つ写真、立派な写真を見かけたら「これはこれは立派な写真でございますね」と軽くスルーする力を身に付けましょう。

私たち勤勉な日本人は皆がそうしていると合わせないといけない…と感じてしまう同調精神が根付いています。これはコロナ渦において人々のマスク装着率が諸外国よりも高いことからも分かります。近年では日本人のこの同調精神が必ずしも良いとは言えない、という考えも徐々に見受けるようになりましたが、それでもまだまだ日本人は「みなと同じ精神」なのです。私の個人的な意見としては少なくとも写真を楽しむうえでは皆に合わせる必要はないのでしょうか?と思います。

皆さまは写真を楽しむにあたって流行の写真を追うのと個性的な写真を生み出すのと、どちらを選びますか?もちろんどちらを選ぶのも自由なのですけど。




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